Nel novembre 1992 il Circuito Cinema propose una rassegna, che vantò un ottimo riscontro di pubblico, sul rapporto fra la settima arte e la pittura e, per l’occasione, uscì il Quaderno Cinema & Pittura. Ora, ventitré anni dopo, un’altra rassegna, fra settembre e ottobre, farà il punto della situazione su quest’argomento sempre estremamente stimolante, tornato più che mai alle cronache anche per il successo dell’ottimo Turner di Mike Leigh. Tredici film metteranno a fuoco alcune fra le tante relazioni che intercorrono fra queste due forme d’arte: biopic, più o meno trasgressivi (Love is the Devil, Pollock e Frida), opere che affrontano la complessa relazione che si viene a creare fra la figura del pittore e la raffigurazione della realtà (I misteri del giardino di Compton House, il film di esordio di Greenaway, e La ragazza con l’orecchino di perla), film con citazioni pittoriche (La kermesse eroica, forse il capolavoro in assoluto del genere), quelli che propongono un registro di stile prettamente pittorico (il bizzarro Al di là dei sogni e il mirabolante L’arca russa), quelli in cui un quadro è il cardine attorno a cui gira il plot (Vertigine, Il ritratto di Jennie), quelli che si interrogano sulla contrapposizione fra l’arte e la società materialista (Tutti i Vermeer di New York, un piccolo gioiello del cinema indipendente americano), fino a quelli che entrano nei gangli, addirittura fin dentro il tessuto pigmentato del dipinto, ludicamente (Il maestro fi ammingo) o più acutamente (I colori della passione, nel quale il polacco Lech Majewski compie un’operazione curiosa quanto riuscita a proposito della Salita al Calvario di Pieter Bruegel il Vecchio). Tutti casi molto interessanti, dunque, che però pure non completano l’articolata e sfaccettata casistica, dalle impalpabili nuances, che lega le due arti. Queste di fondo condividono evidentemente, assieme alla fotografi a, l’immagine di base. Naturalmente è stato soprattutto il cinema a rifarsi alla pittura (ma il caso inverso, dei pittori che si ispirano al cinema, è tutt’altro che trascurabile). Così è stato sin dagli albori del cinema, quando la nuova arte si imbevve spesso e volentieri di citazioni pittoriche, regalandosi così un tono di nobile artisticità che voleva riscattare l’evidente senso d’inferiorità e che, nello stesso tempo, intendeva convincere i tanti detrattori che sostenevano che il cinema non fosse un’espressione artistica. In seguito però il discorso si è irrobustito, allargandosi dai casi più ovvi – quelli che si limitano al mero piano fi gurativo, come la citazione di un dipinto (plan-tableau) o un tableau vivant – ad altri aspetti più squisitamente formali, e quindi più ricercati e sottili, che interessano dunque la luce, il colore, il taglio dell’inquadratura, i valori lineari, plastici ecc. Detto ciò, alla lunga, due si sono rivelati gli spunti della pittura che più hanno attratto il cinema. Il primo è stato il fatto che la pittura è in grado di offrire a scenografi , direttori della fotografia e registi uno sterminato campionario di soluzioni formali di grande efficacia e inventiva. Si pensi, in particolare, a Caravaggio, Vermeer o Hopper, forse i pittori dalla più evidente cinematograficità, che più di tutti hanno funto da ispirazione (ma si ricordi che, a sua volta, il pittore americano ha preso molto dal cinema). Il secondo è il confronto, quanto mai intrigante e ricco di sorprese, tra i due differenti mezzi espressivi – tela vs schermo, occhio del pittore vs obiettivo fotografico – che ha attratto soprattutto i registi più inclini a discorsi metafilmici, come Godard, Pasolini o Greenaway. I risultati sono stati, com’è ovvio che sia, quanto mai variegati. Se infatti talora la citazione pittorica appare fondamentalmente inutile, quasi uno sterile scimmiottamento, viceversa ci sono film eccezionali, nei quali le fonti pittoriche non solo hanno permeato il film di rara poesia ma alla fine ne sono uscite esse stesse arricchite, in una felice contaminazione di linguaggi, diversi eppure per molti versi affini.